법관으로 태어난 인권변호사 최영도(1938~2018)는 미술 감상과 수집, 클래식 음악 감상, 세계문화유산 탐구에 각별한 관심을 갖고 있으며, 도자기 1,412점과 국립중앙박물관 문화재 1,719점, ‘최영도 기증실’. “앙코르, 티베트, 둔황”(Changbi 2003), “평생 도자기에 대한 사랑”(Xue Guzhai 2005), “클래식 음악 에세이” 및 “좋은 듣기”(Xue Guzhai 2007)의 저자, 고대 아시아 문화 유산 Ajanta to Exploration to 석불사> (기파랑 2017). – 책 날개.저자에 대해
# 이 책의 시작은 지난 30년 동안 해외에 나갈 때마다 그 목적지의 박물관과 미술관을 미리 조사하고, 중요한 예술 작품을 최대한 많이 보고, 깊이 느끼곤 했다. 지금까지 나는 루브르 박물관을 7번, 오르세 미술관을 5번, 우피치 미술관을 4번, 프라도 미술관을 3번 방문하는 특권을 누렸습니다. 수백 점의 작품이 전시되어 있는데, 큰 미술관을 바라보고 있으면 아무것도 남지 않은 멍한 마음으로 박물관을 나갑니다. 예술 감상은 양보다 질을 강조합니다. 미술관이 아무리 크더라도 20점 미만의 작품만 골라서 집중하는 게 가장 좋은 방법인 것 같아요.따라서 이 책에서는 19점의 루브르, 20점의 오르세, 8점의 피티, 16점의 우피치, 16점의 프라도만을 선정하여 초점을 맞추는데… 2011년 3월 저자 추이 잉다오
두 권의 책을 출간했습니다. “보이는 대로 본다, 보이는 대로 느낀다”
1권 전반부<见多少见多少，见多少感1>
1권 Matsukata Collection (국립서양미술관, 일본) / 루브르 박물관 (세계 최대, 최고의 미술관) / 오르세 미술관 (프랑스 국립현대미술관) / Musée Rodin, Paris (Lust is Short) , 예술은 길다) / Orangerie Museum (수련) (for ) / 마모탕박물관 (기부 선순환 사례)
I Matsukata Collection (국립서양미술관, 일본) 일본인들은 왜 서양화 수집에 열광하는가?<加歇医生的肖像>프랑스 북부 Auvers-sur-Oise에서 Vincent van Gogh를 치료한 62세의 정신과 의사인 Paul Ferdinand Gachet가 만들었습니다. 이것은 Dr. Sur-Oise의 초상화입니다. 그는 세상을 떠나기 8주 전인 1890년 6월 3일부터 그림 작업에 착수해 불과 2~3일 만에 완성했다. 1897년 반 고흐가 사망한 후 이 그림은 파리의 Ambroise Vollart 갤러리에서 Alice Ruben이라는 덴마크 여성에게 300프랑(약 $60)에 팔렸습니다. 그 후 여러 차례 주인이 바뀌었고 1933년 나치의 문화 탄압 정책으로 모든 아방가르드 그림이 “타락한 예술”이라고 불리고 그림이 사라질 위기에 처했을 때 박물관장 게오르그 슈바르친스키가 박물관 내부에 숨겼습니다. . 1937년, 경제학자이자 히틀러의 최측근인 공군 원수인 헤르만 괴링(Hermann Goering)은 그 소식을 듣고 그것을 포착했습니다. 그것은 유대인 독일인 은행가 Siegfried Kramarsky가 $53,300에 구입했습니다. 그는 이 그림의 13번째 소유자입니다… 1990년 5월 Christie의 뉴욕 경매에서 8,250만 달러(작품에 7,500만 달러, 중개 수수료 10% 포함)에 일본에 팔렸습니다. Taisho Paper의 명예 회장 Ryohei Saito는 거의 예상 가격을 두 배로 올렸습니다. 이틀 뒤 뉴욕 소더비 경매에서 르누아르의 걸작 ‘팬케이크 공장의 무도회’ 축소판을 7810만 달러에 팔았다… 수천 점의 프랑스 그림을 산 사람은 파산했고 은행은 그림의 담보 대출을 몰수했지만 그림의 시가는 거의 10분의 1로 급락했습니다… “가셰의 초상” 구매자는 과도한 상속세 그림은 유실되었으나, 그 유실된 그림은 이후 사이토 회사의 운전 자본을 빌려 다른 수집가에게 매각되어 다시 거래되었으며, 현재는 스위스 수집가의 손에 들어간 것으로 추정됩니다. 23시
(왼쪽 위부터 시계 방향으로) 반 고흐 <加歇医生的肖像>1890, O/C, 67X56cm, 스위스 프라이빗 / 르누아르 1876, O/C, 78.7X113cm, 개인 소장품 / 피카소 포스트 / 반 고흐 1889, O/C, 71.1X93cm, 폴 게티 센터, 로스앤젤레스 / 르누아르 1876, O/C, 98X 70,5cm, 브리지스톤 미술관
왜 일본인들은 서양 미술, 특히 인상주의 그림 수집에 열광하는 것일까요? 그 답을 도쿄 우에노 국립서양미술관에서 찾았다. 27p 이 박물관의 설립 연혁을 조사하던 중 마츠카타라는 사람이 수집했다는 사실에 놀랐습니다. 가와사키 조선소 사장을 역임한 실업가 마츠카타 코지(1865~1950)는 제1차 세계대전을 전후한 조선 붐에 막대한 부를 거둬 파리의 미술관을 휩쓸었다. 많은 전문가들의 조언을 듣고 수집할 그림을 선택한 후, 그는 마음에 드는 그림의 가격을 올리지 않기 위해 살 생각이 없는 그림을 열심히 흥정한 척하고 몰래 샀다. 그들을. 마음속의 그림. 그는 또한 파리 교외 지베르니에 있는 모네의 이전 집을 방문하여 그와 친구가 되었습니다. 공교롭게도 일본 문화에 심취한 모네는 우키요에(에도 시대 후기에 유행한 서양식 채색 목판화)의 광적인 수집가였으며, 수집품 중 18점을 우키요에로 교환했습니다. 1927년 대공황의 여파로 가와사키 조선소의 경영이 무너졌고, 마쓰카타는 자신의 돈으로 빚을 갚고 사장직을 사임했습니다. 미술관을 짓겠다는 그의 생각도 좌절됐다. 마츠카타가 수집한 미술품은 약 3000만 엔(1986년 화폐로 약 450억 엔)이 넘었을 것으로 추정된다. “Matsukata Collection”은 수천 점의 서양화, 조각, 수공예품 등을 모아 놓은 것입니다. 그림 만 1,000 점이 넘고 그 규모는 역사상 유례가 없습니다. Matsukata의 컬렉션은 일본으로 가져간 것, 런던으로 가져온 것, 파리에 보관한 것의 세 가지 범주로 나뉩니다. 일본으로 가져온 수백 점의 그림은 마츠카타의 파산으로 인해 은행으로 옮겨진 후 여기저기 흩어질 운명이었습니다. 런던 컬렉션은 1939년 창고 화재로 소실되었습니다. 남은 것은 높은 관세 때문에 마츠타카가 프랑스로 돌려보낸 것과 파리의 로댕 미술관에 있는 것뿐이다. 1945년 제2차 세계대전이 끝난 뒤 프랑스 정부는 송룡의 소장품을 몰수했고, 1951년 샌프란시스코 평화조약 체결과 함께 프랑스 국유재산에 편입됐다. 이후 프랑스는 반 고흐의 ‘아를의 침실’, 르누아르, 고갱, 세잔, 봉완 등 특히 중요하게 여기는 작품을 제외하고 ‘선의의 기부'(일본 측의 ‘반환’) 형태로 일본에 반환했다. , 그리고 피카소. 기업용 196포인트를 포함해 총 365포인트가 전달됐다. 35p 이때 프랑스 정부가 반환한 송팡 컬렉션은 거의 바르비종주의(밀러), 사실주의(쿠르베), 인상주의(피사로, 모네, 르누아르, 시슬리, 드가), 후기인상주의(반 고흐, 고갱, 세잔), 신인상주의(Signac), 상징주의(Chavan, Eugene, Gagged, Henri Fantin-Latour) 및 Fauvism(Keith van Dongen, Marche). 그들은 19세기 중반의 사실주의에서 제1차 세계대전 이후의 “파리 학당”에 이르기까지 프랑스 현대 미술의 주류를 이룬 화가들이었습니다. 조각으로는 로댕의 작품이 59점 있는데 마츠타카가 특히 좋아하는 작품이다. “지옥문”, 대표작 “청동기시대”, “세례요한 설교”, “베로나”, “생각하는 사람”, “아담”, “이브”, “나는 아름답다”, “아름다운 오메르” >, 거의 모든 로댕의 주요 작품은 키스, 칼레 시민, 오르페우스를 포함합니다. 37p 미술품 수집의 짜릿한 즐거움은 경험해보지 못한 사람은 절대 모를 일이다. 20세기 세계 최고의 부자였던 미국의 석유재벌 폴 게티도 다양한 취미와 쾌락에 평생을 바쳤고 결국 미술품 수집과 사랑에 빠졌다. “즐길 수 있는 최고의 취미”라고 칭송하며 캘리포니아 로스앤젤레스에 “폴 게티 센터”를 설립하고 수조 달러의 신탁 기금을 기부했습니다. 70년대 후반에 그림 수집과 사랑에 빠졌을 때 나는 매우 행복했습니다. 화랑에 갔을 때 마음에 드는 그림을 발견한 기쁨, 작가의 경력, 예술계, 그의 평가, 그림의 품격, 중국에 돌아온 후의 미래를 탐색하는 기쁨, 후회 샀다, 그림을 갖고 싶은 광신도의 기분 좋은 고통, 돈 주고 사러 가는 설렘, 다시 사서 돌려주는 짜릿함, 밤새도록 보다가 잠을 못 이룰 정도로 좋았다. 달콤한 피로를 포함한 행복한 순간. 41p 마쓰타카가 1920년대에 유럽에서 사들여 일본으로 들여온 수백 점의 서양 미술품, 특히 인상파 그림은 파산으로 인해 일본에서 경매에 부쳐지고 유통되었습니다. 서양 미술의 호황과 1970년대와 80년대의 놀라운 경제 호황으로 인해 일본인들은 서양화를 사기 위해 경쟁하기 시작했습니다. 당시 서양 명화를 담당하며 유명해졌다고 한다. 서양화 수집에 대한 일본의 열정은 Matsutaka의 파종, 물주기 및 비료에서 비롯된 것일까요? 43p II 루브르 박물관 (세계 최대, 최고의 박물관) 1682년 태양왕 루이 14세가 궁전을 베르사유로 옮겼을 때 루브르의 기능은 정치에서 예술로 바뀌었습니다. 1692년 프랑스 왕립회화아카데미가 이 건물에 설립되었고, 1699년 아카데미 주도로 제1회 살롱전이 열렸다. 프랑스 혁명 이후인 1795년 프랑스 제1공화국 국민공회는 루브르를 절대왕정의 궁전에서 국민을 섬기는 미술관으로 탈바꿈시켜 ‘중앙미술관’이라는 이름으로 대중에게 공개했습니다. 루브르 박물관의 총면적은 20만㎡, 소장품은 약 37만점, 전시장은 약 20km 떨어져 있다. 런던의 대영박물관, 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관, 상트페테르부르크의 에르미타주 미술관과 함께 세계에서 가장 큰 박물관 중 하나입니다. 루브르 박물관의 모든 문화재를 자세히 들여다보면 평생에 걸쳐 완성하지 못한다고 합니다. 루브르 박물관과 런던 대영박물관 소장품은 제국주의 시대 식민지나 약소국에서 약탈한 문화재다. 패전국들은 문화재 반환을 주장했지만 영국과 프랑스는 늘 묵묵부답이었다. 51p 루브르 박물관의 컬렉션은 고대 이집트 박물관, 고대 동양 박물관, 고대 그리스, 에트루리아 및 고대 로마 박물관, 회화관, 조각관, 수공예관 및 판화관의 8개 전시관으로 나뉩니다. 이렇게 큰 박물관에서 제한된 시간 안에 모든 전시물을 처음부터 끝까지 감상하는 것은 불가능합니다. 예술 감상은 양보다 질을 강조합니다. 따라서 미술관이 아무리 크더라도 20여점 정도의 훌륭한 작품만을 선별하여 집중적으로 감상하는 것이 가장 좋은 방법이라고 생각합니다. 51p 판지, , 1455, Tempera/P, 162X218cm “Pieta”는 이탈리아어로 “성서”를 의미합니다. 미술에서는 성모 마리아가 예수의 몸을 안고 잠시 애도하며 십자가에서 내려진 예수의 몸 안으로 들어가는 모습을 그린 예배 그림을 가리킨다. 피에타는 그 독특한 아름다움 때문에 많은 예술가들의 작품의 주제가 되었습니다. 오랜 논쟁 끝에 이 그림은 최근 앙그론 카톤이 1455년에 그린 그림으로 확인됐다. 53p의 인물들은 광활한 황금빛 하늘을 배경으로 상아 조각상처럼 또렷하고, 지평선 너머로 보이는 몽환적인 거리는 이슬람 양식이다. 모양은 정점에 성모 마리아가 있는 피라미드로 생각되며 중앙에는 그리스도의 쇠약하고 유동적인 검은 옷이 아름다운 대조를 이룹니다. 왼쪽에는 성 요한이 그리스도의 머리에서 가시 면류관을 제거하고 오른쪽에는 막달라 마리아가 향품을 들고 그리스도의 몸을 정결케 하기 위해 울고 있습니다. 원근법과 명암법이 아직 발달하지 않았기 때문에 그림은 단단하고 평면적이었습니다. 53p* 국제 고딕 양식: 14세기 말부터 15세기 초까지 유럽 예리 예술의 국제 교류와 상호 영향으로 형성된 우아하고 품격 있는 예술 양식. 메디치 가문의 삶을 묘사한 24점의 거대한 그림이 벽감으로 장식되어 있습니다. 메리는 이탈리아 피렌체의 메디치 가문에서 태어났으며, 1600년 막대한 지참금을 요구한 프랑스 부르봉 왕조의 시조 앙리 4세와 결혼하여 이듬해 루이 13세를 낳았다. 54p 루벤스,<玛丽·德·马西斯的肖像>, 1625, O/C, 274X144cm 1610년 프로테스탄트와 프로테스탄트의 갈등으로 그녀의 남편은 광신자들에게 암살당하고 어린 아들 루이 13세의 섭정으로 권력을 장악한 여주인공 마리. 파리의 피렌체 건축 양식을 모델로 한 룩셈부르크 룩셈부르크 궁전이 세워졌습니다. 자신의 미모를 자랑스러워하는 그녀는 자신에게 어울리는 테마로 궁궐을 꾸미고 싶었다. 그래서 1621년 바로크 회화의 거장이자 플랑드르 화가인 루벤스를 초청해 ‘마리 드 메디치의 생애’를 주제로 한 연작 그림을 주문했다. 57p 루벤스,<玛丽·德·美第奇登陆马赛>1622~25, O/P, 394X295cm 그 중,<玛丽·德·美第奇登陆马赛>명작이라고 할 수 있습니다. 1600년 10월 5일 피렌체 대성당에서 성대한 결혼식을 올린 후 마리아는 긴 항해 끝에 마르세유에 도착했습니다. 그녀가 육지를 연결하는 다리 위의 갑판에서 내려오면 하늘의 세분의 여신 파마가 한 쌍의 날개를 불며 머리 위로 날아갔고, 바다의 신 포세이돈은 아래에서 아들 트리톤과 님프들과 함께 잠을 잤습니다. 위층으로 가서 그녀를 환영하십시오. 57p* 바로크 미술: 르네상스 이후 17세기와 18세기에 유럽의 여러 가톨릭 국가에서 발달한 예술 양식. 감성이 충만한 극적 형태, 강한 명암, 화려하고 풍부한 색채, 역동적이고 남성적인 힘, 영웅적이고 엄숙한 감정을 추구하는 예술 경향. 카라바조, 루벤스, 렘브란트, 벨라스케스, 잔 로렌조 베르니니 57p 루벤스, 십자가에서 내려오다, 1611-14, O/P, 421X311cm, 노트르담 대성당, 앤트워프, 벨기에. 수염 난 아리마대 요셉은 흰 천으로 싸인 그리스도의 창백한 몸을 안고 있고, 붉은 옷을 입은 젊은 요한은 아래에서 그를 받치고 있습니다. 그의 발치에는 금발의 막달라 마리아와 또 다른 마리아가 무릎을 꿇고 있고, 파란 옷을 입은 마리아는 일어서서 뻗은 팔로 그리스도의 팔을 잡습니다. 60p 바로크 미술의 최고봉 중 하나인 루벤스는 일생 동안 많은 신화, 역사, 종교 그림을 그렸습니다. 벨기에 앤트워프의 노트르담 대성당에 있는 세 개의 제단화의 중앙 프레스코화의 경우 일반적으로 십자가 위의 그리스도와 십자가에서 빼앗긴 그리스도를 선택할 이유가 없는 것 같습니다. 동화 ‘플린더스의 개’의 주인공 화가를 꿈꾸는 10대 네로는 위의 작품들을 무척 보고 싶었지만 입장료가 없어 볼 수 없었다. 이어 “마리아야, 이제 나는… 죽어도 후회하지 않을 것이다. 60p 베르메르, , c.1665, O/C, 24X21cm 밝은 방에서 젊은 여성이 머리를 오른쪽으로 기울이고 레이스를 만드는 데 집중하고 있습니다. 화면은 여전히 부드러운 빛과 미묘한 색상입니다. Vermeer의 대부분의 작품과 마찬가지로 실내에서 단순하고 일상적인 작업을 수행하는 사람들을 묘사합니다. 즉, 사람이 있는 정물화입니다. Vermeer의 정확한 표현에서 비롯됩니다. 62p 베르메르,<戴珍珠耳环的少女>circa 1665, O/C, 44.5X39cm, Mauritshuis, The Hague 요하네스 베르메르는 작업이 매우 느리고 1년에 몇 점의 그림만 그릴 수 있어 작품 수가 적고 대부분 작은 크기입니다. <戴珍珠耳环的少女>예<戴头巾的少女>. 파란색과 노란색 터번을 두른 소녀가 어깨 너머로 고개를 살짝 돌리고 화면 밖을 내다보고 있습니다. 젖은 큰 눈과 약간 벌어진 입술이 무언가를 말하는 듯 매우 섹시합니다. 어두운 배경은 소녀의 얼굴을 돋보이게 하고, 화이트 칼라는 진주 귀걸이에 비춰 반짝반짝 빛난다. 65p 베르메르,<画家的工作室>c.1666, 120X100cm, 미술사 박물관, 비엔나<画家的工作室>의 원래 제목<绘画艺术>. 그것은 그의 최고의 작품이며, Vermeer는 그것에 너무 매료되어 예술 시장에 내놓지 않고 죽을 때까지 보관했습니다. 파란색 옷을 입은 모델은 머리에 월계관을 쓰고 오른손에는 큰 트럼펫을, 왼손에는 두꺼운 노란색 책을 들고 탁자 위의 물건들을 내려다보고 있습니다. 이러한 항목은 명성과 영광을 상징하는 우화 조각상입니다. 월계관은 명예나 영예를 상징하고, 나팔은 온 세상에 울려 퍼지는 명성을 상징하며 그 위에 책이 세워져 후대에 전해진다. 뒷벽에 걸린 지도 중앙에 날카로운 주름이 있었다. 네덜란드의 독립된 7개 주와 스페인이 지배하는 남부 10개 주 사이의 경계를 표시한다고 합니다. 분단된 네덜란드의 역겨운 현실이 전면 벽에 걸려 있습니다. 이 여성이 바로 작가에게 영감을 준 역사박물관 클레오이며, 그는 지금 그러한 알레고리가 포함된 역사를 그리고 있다. 65p* 로코코 미술: 17세기 바로크 미술과 18세기 후반 신고전주의 사이에 유행한 유럽 미술 양식. 가벼움과 달콤함, 사치와 쾌락, 섬세함과 지배, 귀족과 여성의 감각적 세계를 추구하는 예술 경향. 와토, 부셰, 프라고나르, 샤르댕 77p <萨莫色雷斯的耐克>, 기원전 190년경, 파로스산 대리석, 높이 328cm 승리의 여신 니케의 이 조각상은 코에 있는 카벨로이 성소를 탐험하던 중 우연히 발견되었습니다. 발굴 과정에서 118개의 조각으로 부서진 파편들은 복원을 위해 루브르 박물관 복원실로 보내졌고, 예상외로 아름다운 모습으로 나타났다. 고고학자들은 Rhodes가 승리를 기념하기 위해 Samothrace에서 조각상을 만들어 세웠다는 사실과 Nike가 당시 전통적으로 배의 뱃머리에 세워졌다는 사실을 밝혔습니다. 79p 데이비드,<拿破仑一世加冕>1805~07, O/C, 621X979cm 이 그림은 베로네세가 루브르 박물관에서 물려받은 것입니다.<加纳婚礼>그 다음으로 두 번째로 큰 그림. 면적은 60.8제곱미터에 달합니다. 루브르 박물관의 ‘얼굴’이라 할 수 있는 이 걸작 앞에 서면 먼저 그 거대한 규모에 놀란다. 저를 놀라게 한 것은 이 큰 캔버스에 실물 크기의 인물을 150개 이상 그리는 David의 작곡 능력이었습니다. 81p150 150명이 넘는 캐릭터들의 시선이 모두 하나의 나폴레옹에게 집중되어 드라마를 더욱 고조시킨다. 이 그림은 다비드가 인물의 성격과 심리적 반응을 생생하게 포착하는 동시에 대관식에 참석한 유명인들의 얼굴을 하나하나 알아볼 수 있도록 정확하게 묘사해 다큐멘터리 회화의 중심을 이룬다. 원래 1804년 12월 2일 노트르담 대성당에서 열린 나폴레옹 1세의 대관식에서 황제의 왕관은 교황 비오 7세가 하사하기로 되어 있었다. 천주교와 사이가 좋지 않았던 나폴레옹이 대관식을 교황이 주재하자고 제안하자 교황은 교회의 권위를 높이고 나폴레옹을 무릎 꿇릴 수 있는 절호의 기회라고 흔쾌히 수락했다. 그가 왕관을 썼을 때, 나폴레옹은 양손으로 왕관을 잡고 회중을 향하여 몸을 돌려 자신의 머리에 월계관을 씌웠습니다. 제국의 권력이 교황에게 종속된 것이 아니라 독립적임을 세계에 선언하려는 것이다. 이에 공처럼 심하게 얻어맞은 교황은 부끄러운 표정으로 눈을 내리깔았고, 참석한 모든 사람들은 경악했다. 83p 데이비드, <贺拉斯的誓言>1874, O/C, 330X425cm 1785년 다비드는 극한의 애국심에 영감을 준 살롱에 전시했습니다.<贺拉斯的誓言>. 리비우스의 『로마 건국사』의 한 줄거리를 그린 작품이다. 화면 왼쪽에는 호레이스 삼 형제가 나라를 위해 싸울 것을 맹세하고 팔을 뻗고 아버지에게서 칼을 빼앗았습니다. 오른쪽에는 검은 옷을 입은 큰며느리가 두 아이를 위로하고, 둘째 며느리는 기절한 듯 고개를 숙이고 있고, 흰 옷을 입은 카밀라는 둘째 사위 위에 앉아 애도하고 있다. 이 그림은 프랑스 혁명이 일어나기 4년 전에 루이 16세가 구입했습니다. 87p 여리고, <美杜莎之筏>, 1818~19, O/C, 491X716cm 28세에 세상을 떠나 33세에 세상을 떠난 이 천재 그림 앞에 서면 사실이나 사진보다 그림이 더 당당하고 극적이다. 예술가의 나이, 그들은 걸작을 만들 수 있습니다. 이 그림은 1816년에 실제로 발생한 참혹한 해상 사고를 기반으로 합니다. 난파선에서 뗏목을 타고 표류하던 생존자들이 저 멀리 지평선에 나타난 구명보트를 발견하고 황홀경에 빠져드는 극적인 순간을 포착하고 묘사한다. 수평선 위로 우뚝 솟은 남자를 정점으로 삼은 역동적인 삼각형 구도는 민중의 치열한 투쟁과 복잡하게 얽혀 있으며 영사기 같은 와이드 스크린은 보는 이를 압도한다. 화면의 드라마틱한 구도와 명암의 강한 대비는 비극적인 이야기를 더욱 강력하게 보여준다. 97p 프랑스 정부는 귀족을 우선시하는 해군 장교 임용 제도의 장애에서 비롯된 이 참사에 대한 진실을 은폐하려 했다. 하지만 여리고는 그 상황을 완벽하게 재현하겠다는 각오다. 생존자들의 증언을 바탕으로 실물 크기의 뗏목을 만들어 띄우고 실험을 했다. 여리고는 이 그림을 통해 부패한 사회와 검증되지 않은 무능한 사령관이 어떻게 137명의 무고한 생명을 앗아갔는지 통렬하게 고발한다. 루이 18세는 이 그림을 보고 왕실에 대한 도전이라고 생각하고 제리코에게 불만을 표시했습니다. 항해 중 동료 선원들의 인육을 먹고 굶주려 살아남았다는 스캔들이 이 그림에 대한 논란을 불러일으켜 더욱 유명해졌습니다. 100p 들라크루아,<自由引导人民>, 1830, O/C, 260X325cm 들라크루아는 프랑스 낭만주의 회화의 창시자로 당시 앵그르를 중심으로 한 주류 신고전주의에 비해 자유로운 사고와 밝은 색채의 인간미에 깊은 감명을 받았다. 사물을 정확하게 묘사하는 것을 거부하고 역동적이고 빠르게 움직이는 형태와 강렬한 색채, 강렬한 붓놀림으로 사물의 본질을 그려낸 그는 현대회화의 선구자로 평가받고 있다. 105p* 낭만주의 예술: 19세기 전반기에 많은 유럽 국가에 퍼진 예술 경향. 형식미를 중시하고 생생한 인간의 감성과 직관을 중시하며 사물에 대한 객관적인 지식보다 주관적 경험을 중시하고 이성보다 감성을 중시하며 열정과 정열을 표현하기 위해 화려한 색채를 추구하는 신고전주의에 반대했다. 제리코, 들라크루아. 105p 1830년 7월 28일, 7월 혁명의 유명한 “삼일 영광의 삼일” 다음날, 프랑스 국민은 프랑스 혁명 이후 재진입한 부르봉 왕가를 몰아내기 위해 반란을 일으켰습니다. 연기 사이로 멀리 노트르담 드 파리가 보이고, 사람들이 부르는 ‘라 마르세예즈'(프랑스 국가)가 이 그림에 고스란히 녹아 있다. 3일간의 치열한 시가전 끝에 부르봉 왕가의 마지막 왕 샤를 10세를 몰아내고 루이 필립을 새로운 입헌군주로 세웠습니다. 자유를 상징하는 거리를 뒤덮은 연기 사이로 반쯤 벗은 여자가 앞장섭니다. 그녀는 대혁명 당시 혁명가들이 썼던 프리지아 모자를 쓰고 오른손에는 자유, 평등, 박애를 상징하는 프랑스 혁명의 삼색기를 들고 왼손에는 총검을 든 장총을 들고 잠들었습니다. 맨발과 가슴으로 그리스 신화에 나오는 승리의 여신 니케를 연상케 한다. 프레임의 왼쪽에는 들라크루아가 검은 양복과 비단 모자를 쓰고 라이플을 들고 있는 자신의 자화상을 그립니다. 이것은 7월 혁명에 대한 그의 열정과 그의 낭만적인 요소를 보여준다. 107p 들라크루아, , 1834, O/C, 180X229cm 남성과 단절된 채 남편만 기다리는 한정된 여성들의 나른함과 관능미가 가득하다. 꽃이 피고 있습니다. 동양의 호화롭고 관능적인 세계를 동경하던 들라크루아는 고향으로 돌아가는 길에 우연히 알제의 항구에서 어떤 선주의 하렘을 만나게 된다. 숙소로 돌아온 그는 방금 본 하렘의 장면을 황급히 스케치했고, 집에 돌아와서 그림을 완성했다. 따라서 왼쪽의 여성은 알제 출신의 여성이 아니라, 귀국 후 사귀었던 파리 여성 엘리제 블랑쉬를 바탕으로 알제에서 가져온 스케치를 바탕으로 그린 것이라고 한다. 이 그림은 19세기 최고의 낭만주의 작품 중 하나로 여겨진다. 109p 레오나르도 다빈치 <蒙娜丽莎>c.1503~10, O/P, 77X53cm 제목<蒙娜丽莎>그림은 이탈리아에서 다음과 같이 알려져 있습니다.프랑스에서는 다음과 같이 알려져 있습니다.. 그 이유는 이탈리아 화가 Giorgio Vasari가 “Renaissance Artists Series”에서 “Leonardo는 그의 아내 Mona Lisa의 초상화를 그리기 위해 Francesco del Giocondo에 왔습니다”라고 썼습니다. ‘모나리자’는 마돈나(‘Mrs. Mona’의 약자, 기혼 여성의 이름에 붙는 존칭 ‘아내’의 약자)와 ‘리사 리자’는 엘리자베타의 약자다. ‘레이디 리사’라는 뜻이다. 콘도르의 젊은 아내 리사 게라르디니를 가리킨다고 한다. 112p 그러나,<蒙娜丽莎>푹신한 눈, 무눈썹, 너무 통통한 볼, 넓은 이마는 오늘날의 기준으로는 아름답지도 섹시하지도 않다는 말을 들었다. 그림은 “미소”로 유명합니다.<蒙娜丽莎>옆으로 앉은 채 몸의 4분의 3만 노출된 채 튤 속 얼굴만 정면을 바라보고 있고, 양 입꼬리는 살짝 치켜올려 거의 알 수 없는 신비로운 미소를 드러낸다. 112p 레오나르도는 사물의 경계를 흐리게 하고, 사물의 윤곽을 명확하게 나타내지 않으며, 사물이 얇은 안개에 싸인 것처럼 희미하게 사라지게 합니다. 그는 스푸마토(이탈리아어 “흐림”)와 키아로스쿠로(이탈리아어 “밝기”) 기법을 발명했는데, 이 기술은 거의 전적으로 빛, 그림자 및 톤의 분포를 통해 인물에 3차원 효과를 부여합니다. 그는 사물이 멀어질수록 파랗게 보이고 윤곽선이 흐릿해지면서 작품의 공간이 후퇴하는 듯한 착각을 불러일으키는 ‘대기’ 원근법을 발전시켰다. 그는 예술적 성취가 거의 없는 불행한 화가였기 때문에 그가 남긴 그림의 수는 극히 적고 현존하는 그의 그림은 17점에 불과하며 그 중 절반 정도가 미완성이다. 그는 아내 모나리자의 초상화를 완성했지만 지오콘도에게 주지 않고 주문했지만 밀라노, 로마, 프랑스로 이동할 때마다 가지고 다니며 죽을 때까지 간직했다. 대부분이 채색되었으나 완성하지 못한 채 오랜 시간 동안 드문드문 작업을 계속하였고, 채색은 1506년에서 10년 사이에 완성되었다고 한다. 이 기나긴 제작 과정에서 그는 점점 작품에 몰입하게 되었고, 리사의 원래 얼굴 이목구비를 마음속의 이상적인 여성상으로 수정해 나갔고, 이제는 더 이상 리사의 초상이 아니라 레오나르도가 만든 초상이다. 그는 그것을 조정해야합니다. 곤도에는 배달이 안된다고 합니다. 반면에 레오나르도는 완성되지 않았다고 생각했기 때문에 배달하지 않았다는 주장도 있습니다. 118p 라파엘, <美丽园丁的圣母>, 1507, O/C, 122X80cm 이 그림은 라파엘로의 마돈나를 가장 대표하는 그림으로 다빈치의 피라미드 구도와 스머지 기법을 잘 보여준다. 세례 요한은 아기 예수를 그리워하다가 성모 마리아를 계속 바라보았고 성모님의 깊은 눈은 다시 아기 예수에게 돌아갔습니다. 시선이 만들어내는 삼각형은 신선하고 조화롭다. 어머니의 따뜻한 손은 왼손에는 지혜와 교양을 상징하는 “솔로몬 지혜서”를, 오른손으로는 아들의 등을 다정하게 받쳐줍니다. 123p 레오나르도 다빈치, (Paribon), c, 1483~86, O/P, 198X123cm 이 그림은 1483년 Concepcione의 Leonardo da Vinci가 밀라노의 San Francesco Grande 교회 제단화를 의뢰하여 1486년에 완성한 그림입니다. 흐릿한 산과 바위를 배경으로 이등변삼각형으로 배열된 디지털 도형의 구성으로 완성되어 입체감 있고 깊이감이 있어 더욱 안정적이고 깊은 맛을 보여주고 있다. 왼쪽은 성모 마리아가 세례 요한을 안고 있고, 세례 요한은 한쪽 무릎을 꿇고 손을 모아 다른 쪽 성자 예수께 절하고, 오른쪽 성자 성자 예수는 오른손을 들어 축복하고 있다. . 성모 마리아는 친절한 얼굴과 몸짓으로 아기 예수와 세례 요한의 만남을 지켜 보았고 빨간 망토를 입은 천사 우리엘은 요한에게 오른손을 들었습니다. 이 그림에서 레오나르도는 빛과 그림자를 다루는 방식, 몸의 입체감을 표현하는 방식, 거리를 암시하는 방식 등 다양한 혁신적 기법을 구사해 본질을 보여주었다. 다빈치의 작품. 분위기를 묘사하십시오. 선으로 윤곽을 그리는 대신 부드러운 톤의 “스푸마토”로 표현하여 신비로운 분위기를 연출합니다. 또한 배경 암석의 균열을 통해 빛이 동굴로 유입되어 캐릭터를 비추고 어둠 속에서 그들의 모습을 드러내며 얼굴에 입체감을 부여합니다. 이것은 최고의 표현 효과를 얻기 위해 Leonardo가 “키아로스쿠로”를 사용한 것입니다. 또한 그는 대기의 광학적 특성을 민감하게 포착하여 인근의 암석 동굴을 따뜻하고 짙은 갈색으로 취급합니다. 그림에 최대한 깊이를 주었습니다. 127p 라파엘, , 1515-16, O/P, 82-67cm 이 초상화의 모델은 라파엘로의 친구이자 유명한 인본주의자인 Baldassare Castiglione입니다. 모피와 벨벳으로 감싸고 피라미드와 마름모꼴의 복잡한 모양으로 칠해진 이 인물은 교양 있고 위엄 있으며 지혜로 가득 차 있습니다. 미미한 옵지 눈빛 빛 의지 가굳은 입술 로인의 올은 올곧은 내면 이잘곧나타나 이잘나타나 이잘나타나 있다 겻으로 는 뚜렷한 색진면도 있어. . <밀로의 비너스>2c 볼 수 있는 bce세기 말기, 파로스 섬 의대리석, 높이 202cm 루브르 박물관에서 이만큼 가장 많은 곳 Where 은 조각품을 점수로 표시 으로 하는 하는 대표 대표 으로 대표 으로 대표 대표 으로 대표 대표 으로 <모나리자>와이 <밀로의 비너스> 은두팔이 이여자.<밀로의 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